Exposição “Pã sem Flauta”, do artista Antonio Hélio Cabral,

DAN Galeria apresenta Pã sem Flauta, 

com pinturas inéditas de Cabral

Com curadoria de Luiz Armando Bagolin, mostra reúne

26 pinturas, inspiradas em situações cotidianas, literatura, mitologia,

 e filosofia, com ampla variedade de cores e composições vibrantes

A DAN Galeria abre no dia 26 de outubro, a exposição “Pã sem Flauta”, um conjunto de 26 obras inéditas da produção mais recente do artista Antonio Hélio Cabral, que dá continuidade ao seu trabalho ininterrupto com a pintura, iniciado na década de 1970. A mostra marca a nova parceria com a galeria, que passa a representar o artista. Criadas, em sua maioria entre 2022 e 2024, as obras selecionadas abrem um leque de possibilidades em diferentes direções, sem abandonar a ironia, recurso já conhecido no trabalho do artista, seja nos títulos ou nos grafismos e desenhos. Com curadoria de Luiz Armando Bagolin, a mostra fica em cartaz até 8 de março de 2025.

Em combinações vibrantes de cores, as telas revelam movimentos de corpos e cabeças que surgem do próprio ato de pintar. Diferente da tradicional composição de pintura, na qual as figuras são o elemento principal e vão sendo construídas propositalmente, Cabral dá vida a essas formas sem planejamento e intensão representativa, por meio de justaposições, aglutinações e sobreposições de tintas e pinceladas.

“Penso a figura como derivada da pintura. O contrário disto, figura pintada, é tudo que não desejo”, afirma Cabral. “Trabalho a forma e o fundo juntos. Não costumo centrar a pintura em cima de uma figura que tem um imaginário fechado”, explica. “Enquanto crio, surgem, desaparecem e aparecem novamente outras subfiguras. Então, é um imaginário que se movimenta, não é fixo a uma determinada imagem do começo ao fim”, fala. “Muitas vezes, quando a pintura termina, ela não tem absolutamente nada a ver com aquilo que foi a motivação para começar.”

A literatura, a filosofia e a mitologia são fontes de inspiração recorrentes de Cabral para a produção de suas obras, além de situações do dia a dia, que causam impactos visuais e geram outros disparos criativos. A tela Pã sem Flauta (2023), que dá nome à mostra, por exemplo, faz referência ao deus dos campos, rebanhos e pastores, na mitologia grega, sempre representado com uma flauta. “Essa é uma pintura que ficou com uma cara de pastoral, um ambiente ligado a criaturas mitológicas. Então, pensei no Pã e fiz essa brincadeira do Pã sem flauta”, comenta Cabral. 

Lótus (2020) surge de um imaginário sobre o Oriente. “Na pintura tem um amarelo que é quase colocado puro, na verdade, normalmente não costumo usar cores puras, mas nesse quadro elas estão dessa forma. Com isso, uma das ideias do nome foi porque na cultura oriental, o lótus é uma flor ligada a pureza”, afirma.

Outro gatilho que ajudou a compor o título da obra foi a história O Lótus Azul – cor também presente na pintura –, da série As Aventuras de Tintim, produzida pelo belga Hergé. O álbum aborda a viagem do jovem repórter Tintim e seu cão Milu, que são convidados para ir a China no meio da invasão japonesa de 1931, onde ele revela as maquinações de espiões japoneses e descobre um anel de contrabando de drogas.

O toque de magia contido na peça teatral A Tempestade, do dramaturgo William Shakespeare, foi referência para denominar o óleo sobre tela Próspero (2023), nome do protagonista da história. Duque de Milão e mago de amplos poderes, o personagem foi raptado pelo irmão e, em um ato de traição política, jogado em uma Ilha deserta, junto a sua filha Miranda. 

Duas obras criadas neste ano receberam títulos de nomes de poetas italianos, Leopardi, em referência a Giacomo Leopardi, um dos maiores expoentes da poesia de seu país, e Petrarca, em alusão a Francisco Petrarca, que aprimorou o tipo de poema chamado “soneto” e também tido como o pai do Humanismo. Segundo Cabral, a sensação que a primeira pintura causa é semelhante à dos textos do poeta, conhecido pelo ceticismo, pessimismo e melancolia em suas obras. “Já em Petrarca, no meio daquela comoção de tintas, existe uma ideia de retrato quase que renascentista, uma figura clássica, por isso a referência”, diz.

A coletânea de obras selecionadas para a mostra também é composta por telas mais antigas, porém nunca expostas, como Fala D. João 13 (2015). Foi concebida a partir do poema de número 13, que compõe uma série de 25 textos escritos por Cabral em 1995, acompanhados por litografias, e que posteriormente ganharam pinturas. “Esse livro é como se eu entrasse na cabeça de D. João II, que foi um dos grandes arquitetos das navegações portuguesas e flagrasse desde impulsos a ações mais bem boladas de como ele arquitetava grandes movimentos”, relembra.

Ainda, o público entrará em contato com as pinturas Sète (2017), Figura Nácar (2017), Autorretrato (2018), Pan Sírinix (2018), Filo (2020), Ícaro (2020), Silvos (2020), Sabinas (2021), Ponty (2022), seis obras Sem título, Luas, Nácar, Sófia, Io – todas de 2023 –, e Pino (2024).

Sobre Antonio Hélio Cabral

Nasce em 25 de outubro de 1948 na cidade de Marília, SP. Cursa arquitetura na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU/USP), de 1970 a 1974. De 1974 a 1984, atua como professor e coordenador dos ateliês de arte do Museu Lasar Segall e, de 1981 a 1984, orienta atividades de pintura e desenho na Pinacoteca de São Paulo.

O trabalho de Cabral, iniciado em 1970 como um brutalismo que intercepta Dubuffet, Giacometti e Picasso – em objetos, desenhos, pinturas, multimeios –, sofre deslocamento em 1977, quando o artista passa a pesquisar a figuração feita em São Paulo nos anos 1940, no horizonte da pintura moderna europeia. Cabral investiga as bases observacionais, gestuais e matéricas da pintura, que vão se modificando como visuais, até 1991. 

A década de 1970 marca ainda o momento em que Cabral conhece Leon Kossovitch, filósofo e amigo que passa a ser seu principal interlocutor. Parceiros desde então, Cabral e Leon estabelecem um diálogo contínuo “sobre os ires e vires que surgem constantemente em Cabral”, diz Kossovitch. A partir de 1991, a visualidade em Cabral é eclipsada por pinturas, desenhos e objetos que explicitam o brutalismo inicial como lance visionário, pois o olhar é liberado como pulsão no hiperbrutalismo, do qual se destaca o processo de transmutação pintura-figura que, em 1994, já habita a matéria e, como aparições, inclui o destinatário como desejante. 

Desde 1999, ano em que realiza uma grande mostra na Pinacoteca de São Paulo, são raras as aparições públicas de Cabral, visto que o artista opta por se recolher em seu ateliê, para se dedicar exclusivamente à pesquisa que visa a desenvolver a interação entre a pintura e a escultura. Destacam-se suas individuais em Lisboa nos anos de 2006 e 2008 [Galeria Art Lounge], Paris em 2015 [Galerie Agnès Monplaisir] e Zurique, esta em 2021 [Galeria Kogan Amaro].

Sobre a galeria 

A DAN Galeria foi fundada em 1972, em São Paulo, por Gláucia e Peter Cohn. Nos primeiros anos de atividade, a galeria concentrou-se na arte moderna brasileira, apresentando obras de importantes artistas do movimento modernista de 1920, tais como Di Cavalcanti, Antonio Gomide, Ismael Nery, Tarsila do Amaral entre outros. Ainda nos primeiros anos de funcionamento, artistas como Alfredo Volpi, Cícero Dias, Antonio Bandeira e Yolanda Mohalyi foram incorporados ao grupo representado pela galeria que, ao longo das últimas décadas, expandiu-se também para a produção internacional e para a arte contemporânea.

O departamento de arte contemporânea foi criado em 1985 por Flávio Cohn, filho do casal fundador. Posteriormente, seu irmão Ulisses Cohn também se associou ao quadro de direção da Dan. Juntando pesquisa histórica e sintonia com o mercado internacional, nos últimos vinte anos a galeria exibiu obras de Lygia Clark, Lothar Charoux, Luiz Sacilotto, Gonçalo Ivo, Ascânio MMM, Macaparana, Sérgio Fingermann e artistas internacionais como Sol LeWitt, Antoni Tapies, Jesus Soto, Cesar Paternosto, Eduardo Stupía, Adolfo Estrada, Knopp Ferro, Ian Davenport, Max Bill, Joseph Albers, além dos britânicos Tony Cragg, Kenneth Martin e Mary Martin.

A DAN Galeria incluiu mais recentemente em sua seleção, importantes artistas concretos: Francisco Sobrino, François Morellet e Getúlio Alviani; bem como os artistas geométricos abstratos históricos: Sandu Darié, Salvador Corratgé, Wilfredo Arcay e Dolores Soldevilla, só para mencionar alguns dos cubanos do grupo Los Once (The Eleven). O fotógrafo brasileiro Cristiano Mascaro; os artistas José Spaniol e Teodoro Dias (Brasil); os internacionais, Tony Cragg (G. Bretanha), Lab [AU] (Bélgica) e Jong Oh (Coréia), se juntaram ao departamento de Arte Contemporânea da galeria. 

A DAN Galeria sempre teve por propósito destacar artistas e movimentos brasileiros desde o início da década de 1920 até hoje. Ao mesmo tempo, mantém uma relação próxima com artistas internacionais, uma vez que os movimentos artísticos historicamente se entrelaçam e dialogam entre si sem fronteiras.

Service 

Pã sem Flauta

Abertura: 26 de outubro, das 10h às 16h

Período Expositivo:  26 de outubro de 2024 a 8 de março de 2025

Local: DAN Galeria - Rua Estados Unidos, 1638, Jardim América, SP 

Horário: das 10h às 19h, de segunda a sexta; das 10h às 13h, aos sábados. 

Free entry 

Classificação indicativa: livre 

Access for people with reduced mobility

E-mail: info@dangaleria.com.br

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